关于美术绘画的色彩问题（二）

深圳美深工作室介绍了艺术绘画的色彩。颜色有一般的规律，具体的使用是最好的。色彩往往因人的感受、感情、爱好或修养而异，所以有些人不愿意积极接触这个问题。艺术史上有很多色彩大师，一开始颜色可能不好，但后来才大器晚成。苏里柯夫早年用色相当生硬，看不到后来的色彩倾向。一幅画的整个创作过程是统一的，从确定主题思想、安排构图、描述内容到形状和颜色的表现。下面就让深圳美深画室给大家介绍一下艺术绘画的色彩问题(一)。

绘画的色彩

　　一幅画的整个创作过程是统一的，从确定主题思想、安排构图、描述内容到形状和颜色的表现。在正确的运用下，色彩作为绘画表现的因素之一。能清晰表达的构思。增强主题的吸引力，强烈影响观众的情绪，甚至使较差的构图（如主次）更好，因为迷人的色彩处理补救和效果更好。相反，如果你不注意颜色，你可以使构思构图好的作品失败，如不和谐和图片分解。或破坏原来良好的人物造型等。因此，重视色彩的运用是整个创作过程中的一个重要方面。不要让创作的色彩愉悦到好处，不要放弃，不要让观众在自己的作品前漠不关心地走过。

　　颜色有一般的规律，具体的使用是最好的。色彩往往因人的感受、感情、爱好或修养而异，所以有些人不愿意积极接触这个问题。艺术史上有很多色彩大师，一开始颜色可能不好，但后来才大器晚成。苏里柯夫早年用色相当生硬，看不到后来的色彩倾向。委拉斯盖兹和德拉克罗瓦也是如此。德拉克罗瓦去过各地写生，在生活中随时观察研究，甚至受到康斯泰勃尔的影响（Constable）只有在风景画色彩的启发下，才能充分发挥他的色彩。

　　重要的是要向以前的大师学习不懈探索知识、研究创作的精神。像德拉克罗瓦这样的大师，因为他全力以赴去创作，当他的作品完成时，他的精神和体力就会消失。塞尚在分析他画面中冷热色彩的对比度和中间色层的推移来表现身体时，由于精神需要高度集中，不能有任何声音干扰。李将军一生致力于研究金碧山水。就像挥南田这样擅长无骨花卉的画家，也认为“俗人论画，都以设色为易，怎知友染难。画到着色，如入炉擂，重见锻炼，温度稍差，前功尽弃。三折胖知道是良医，画道也是如此。挥南田花了20多年的时间才承认自己对绿色略知一二。我们应该学习前人全心全意从事艺术的精神，那种在自己的作品中承担几乎责任的精神。要做好一件作品并不容易。我们应该长期努力调整绘画中的各种因素，包括颜色。让作品对人民和自己负责，是区分画家的大幸福还是大麻烦。

　　一、绘画色彩问题

　　(3)色彩的情感和象征性

　　绘画的形状和颜色，如果只停留在表面的准确性是不够的，就应该进一步发现形状和颜色的美，成为比生活更好、更集中的东西。在这里，有作者的感情和态度。形要有情感形，色也要有情感色。我们不仅要“用像牛一样的眼睛看待对象”，还要从整体上看待对象，用情感表达对象很重要。从这个角度来看，后期印象主义比印象主义迈出了一大步。画家从不画到成熟的过程要经历三个阶段，即无理作画、以理作画、以情作画。当我开始画画的时候，没有规则。后来，我学会了有规则是不够的。我不得不进入情感绘画的境界，把纯洁理性的东西变成情感的表达，像唱歌一样流露出来。与文学戏剧相比，我认为有些人不妨将艺术与音乐进行比较。在这里，如果没有浪漫主义，艺术就会变得平淡。只有纯客观冷冰冰的观察对象和表现对象，才会伤害艺术。造型艺术中的思想不是一个简单的概念，而是一个具有感染力的形象所反映的思想。

　　我们不必把热情和真理对立起来。当然，作品离不开真实的对象。在充满空气和光线的《少女与桃》中，谢罗夫的色调精准，色彩丰富，尤其是人物的情感。据说他只是真诚地展示了他的对象。事实上，在这里，如果谢罗夫没有亲切而强烈的感情，他将失去绘画过程中的生动性，他习惯于长期多次绘画，他的技能不会如此自然地表现出来。所以，要想让作品感人，首先要看画家对对对象有没有感情。有感染力的颜色首先要求作者情绪化地发现对象中的颜色。

　　动人的艺术往往能形象化人们心理上的一些抽象的东西，如清爽、阴郁、大胆、纯洁等。让我们谈谈“纯洁”。这是一个抽象的词，但它充分体现在拉斐尔的圣母形象中。芬奇表现出深刻的智慧。米开朗吉罗展示了力量和生命。威尼斯画派展现了荣华。格里柯，厄尔（EIGreco）这幅画充满了宗教情感。夏凡内的壁画沉浸在沉默的世界里。马蒂斯的画面让人感觉明亮活泼。而郁特里洛风景画则寄托着谈话的悲哀。另一个例子是，在建筑中，希腊风格充分发挥了真美。哥特式有一种回归天空的崇高感，回归建筑纯净，我们的宫廷建筑庄严。所有这些，都是有表情的艺术。当然，每个人对艺术品都有不同的感受，但他们往往有同样的感受。我认为这不仅仅是人们的主观意识，而是没有客观的真理。例如，古埃及人追求灵魂的永恒。他们的造型艺术，从金字塔到雕刻（秘书雕像）和小猫，也有一种稳定和稳定的感觉，在造型上有这样的力量。

　　艺术的吸引力首先来自主题思想和内容，但形状和颜色的作用不容忽视。情感和象征性的问题不能不恰当地强调到过度，但客观上确实有共同的心理效果。比如冷热，大家都有同感。既然能感觉到冷热，能感觉复杂吗？我认为色彩表达，它的语言是一个值得研究的问题。就我个人而言，我觉得我可以举几个例子。比如一般的红色，让人感到热情勇敢，但有些红色素又让我烦恼。黄色，轻盈，明亮，有成长的感觉。

　　橘黄色感觉庄重，但有时会让人感到负担。白色，快乐纯洁，有时有些悲惨。黑色，有时严肃，有时沉默和恐怖。，它可以象征和平与青春。当人们疲倦时，他们会感到舒适和安静，但有时他们会感到悲伤。青色，冥想，纯净。灰色，病态，空虚但柔软。紫色，但有些人觉得它娇艳甚至卑微。这些都是单色。如果配合两三种以上复杂的颜色，效果会有所不同。虽然这些都是人们的主观感受，往往因时代、民族、阶级、年龄、个人修养和情绪的变化而异，但一般来说，它往往会巩固我们的习惯，产生一般的共鸣效应。中国画家讲究用真石青、真石绿、朱砂，甚至用陈砂，用几百元一两的真西洋红，因为这些色素的美已经习惯了我们画家的感受，成为客观的。以上只是一些参考。当然，我们不能把色彩脱离形状和内容形成的复杂表达放在一边，只强调这种感觉至高无上会导致形式主义的大问题。

　　古诗说：“春草碧色，春水绿波，送君南浦，伤怎么样！在这里，加深了作者的伤感。这是象征性的。不是自然界没有其他颜色，而是这种颜色只留在作者的创作意图上。同样，我们绘画中的所有因素都应该属于同一个思想，这样才能有感染力。在创作过程中，要把整个注意力集中在主题思想上，让每一部作品都有一个境界。有人让我谈谈我的创作经历。现在顺便说一下，我想谈谈我在绘画时使用基调颜色的想法。当我创作《红军不怕远征》这幅画时，我明确表示，主题思想是长征到草地时艰苦物质生活与大乐观主义精神的对比，所以我也想在色彩上追求困难和毅力的合作。在装饰性的《开国大典》这幅画中，我们尽最大努力做到华丽，描写一个庄严而温暖的场景，在风和日丽的日子里。在(春到西藏”这幅画中，我们希望它能表现出温柔的春天，这不仅是自然景象的春天，也是心理政治的春天。但这些想法做得不好，仅供参考。让我们来谈谈俄罗斯大师苏里柯夫的色彩感受。比如(近卫兵临刑的早晨”和《苏沃洛夫越过阿尔卑斯山》，真的是主题思想的紧密结合。冷色与严峻的历史事件相结合，内容与形式高度统一，总结了当时的时代精神，也展现了自己强烈的个性。面对苏里柯夫的原著，人们意识到色彩艺术真的是一种巨大的力量。

　　(4)颜色和个人风格

　　形象的规律是客观存在的，但画家理解和表达这些规律的东西并不是每个人都一样，而是有自己的焦点和表达方式。在这里，最好将客观的东西与主观的感觉统一起来，在客观的基础上，理解对象和表达对象可以得到主观的肯定。对待颜色的规律也是如此。色彩的情感和象征往往因素质、情感、习惯、兴趣等而不同。受时代精神、民族习惯、阶级感情等影响，色彩关系复杂。从艺术史上看，每个学校都有自己学校的特点，每个学校都有自己的气质，即同一个画家在不同的时期往往有不同的绘画方法。例如，乔托（Giotto）喜欢用那种珍贵优雅的蓝色作为宗教绘画的装饰地色，衬托出前面的人物，显得画面更加明亮。乌且罗（Uccello）土红、土绿等色的战争画给人留下了深刻的印象。波提而利的黄金色调增强了《维纳斯的诞生》和《春天》的幻想情操和梦幻般的美。

　　虽然米开朗吉罗的颜色很简单，但这种颜色的简单有利于关注紧张人物群的力量。如果简单的颜色是一个缺点，那么米开朗吉罗的缺点就是他的优点。威尼斯画派的提香，其色彩的生动性极大地增强了他的绘画性。委罗奈斯（Veronese）他喜欢用银灰色的房间和粉绿色来画他豪华的生活场景。凡·戴克主要在黑棕色的变化中画出严密而坚实的肖像。鲁本斯（Rubens）色彩的丰富和温暖使邻近他的画显得黯然失色。伦勃朗的透明画法是变化。委拉斯盖兹有一种优雅的珍珠银灰色调。康斯泰勃尔的浓绿很有意思。安格尔（Ingres）色彩简单，它的优雅和美丽就像他的素描一样。我们不能说安格尔因为德拉克罗瓦丰富的色彩而贬低其色彩特征。柯罗画中的境界常常如梦如影，所以他的色彩也很细腻柔和。夏凡内的壁画似乎引人入胜。塞尚的色彩冷热变化对他追求身体的坚实感非常有力。凡·高（VanGogh）鲜艳的动态色彩不仅表现了法国南方的特点，也表达了他内心的热情。高庚用强烈而幼稚的色彩对比。亨里·卢梭（HenriRousseau）造型和色彩都给人一种天真的快感。加里埃尔的灰色色调非常含蓄。在历代美术馆里，马蒂斯的色价几乎是明亮的。

　　艺术不仅表面上展现了现实生活，还展现了人们对现实生活的态度和画家的个性。当然，在社会中，这应该是我们共同的个性，这种个人创造力是有价值的。每个人对生活的深度和广度都有不同的理解，所以反映生活是不同的。不能把生活放在一个框架里。用自己的视觉看待对象是主观主义是不对的。问题是要有正确的立场。这种个人创意艺术不仅是画家的个人感受，也是观众的理解和同感。有些画没什么问题，反而有一种没有“问题”的问题。西欧学院派的东西很冷。

　　(5)色彩与阶级情感

　　同一时代不同阶级的画家，由于他们代表不同的阶级思想，艺术往往从内容到形式不同。同样，在阶级社会中，艺术的服务对象是阶级群众，所以欣赏艺术作品的思想、感受或习惯往往是不同的。

　　有些人把颜色描述为雅俗，比如把鲜艳纯净的颜料描述为俗色，而轻柔柔和的颜色描述为雅色。在这里，问题是什么是雅俗。我觉得这无非是色彩的关系是否协调，无论颜色是鲜明的还是灰色的，都取决于如何使用。就是色彩的运用是否服从主题思想。再者，所谓雅俗色，可能是因为色彩观念的阶级性导致的情感和习惯。

　　从许多绘画、雕刻和手工艺品的性质来看，它给人一种普遍的印象。可以说，不同阶层的艺术有不同的兴趣，宫廷艺术和民间艺术是不可替代的。古代士大夫阶级对色彩好，劳动人民往往觉得无聊，劳动人民普遍喜欢的饱和色不符合士大夫阶级的胃口。敦煌壁画的颜色到目前为止发生了很大的变化。虽然这种褪色的颜色非常和谐，但事实上，当他们审视新画时，颜色的价值应该是非常耀眼和宏伟的。这种大红大绿的颜色，尤其是在当时光芒四射的石窟光线下，其表情是多么迷人。我认为敦煌壁画如此鲜明，不仅是时代画家宗教感情的流露，也是按照窟主的意图来描绘的。这里重要的是代表劳动人民的真诚艺术艺术表现和他们对艺术的享受。可惜复制的敦煌壁画很少让人看到新壁画的精神面貌。

　　(6)色彩时代精神

　　一时代的生活内容、思想感受、艺术制作的条件和工具性能，往往会改变艺术家的艺术思想、观点和做法。例如，古典绘画注重素描，装饰成分往往比现实主义更重要。文艺复兴时期的三位杰作都有着同一时代的一致手法。色彩已成为19世纪绘画造型的主要因素。在原苏联的画廊里，我们可以看到古代作品几乎都是黄色和黑色的，然后它们变得越来越新鲜，效果非常不同，这不仅是因为古代绘画的颜色变化很长时间或明亮的油和黄色。原苏联现代油画，阳光灿烂，空气清新，让人感受到生活的光明。对于印象主义作品，人们不禁被它们清新明亮的色彩所吸引。后期印象主义家庭，色彩的表现力和情感的表现力都加强了。

　　探索新形式也应与时代生活相称。我们不是唯一一种形式的倡导者。既要不断追求新的生活，又要不断追求新的技能。，我们要追求的是，乐观、英雄、明亮、强大的艺术永远不应该像18世纪宫廷画家那样戴着旧的黄色眼镜来画出昏昏沉沉的程式化场景。一方面，我们从现实生活中展示新的现实，探索不同的表达方式，不同的对象，不同的主题，使用不同的颜色，颜色，一方面，我们也可以从传统中学到更多。墙壁如印象主义的色彩分析是科学的。在后期的印象主义中，一些画家有着鲜明的感情和强烈的表现力，这将给我们很多启发：这是古典时期许多大师的作品。装饰色彩原理不能用来帮助我们创造现实与浪漫相结合的色彩艺术。

　　()颜色和地方特征

　　由于画家对色彩的感受与地区变化密切相关，地点、时间与景物之间的联系所产生的色彩关系。中国山水画中重绿色和水墨色的发展，不仅仅是绘画本身的演变。在古埃及，无论是壁画还是雕刻颜色，都与简单的土红色、黄色、黑色和绿色色素相匹配。这不仅仅是材料的限制，因为这种简单而强烈的色彩效果可以在埃及的烈日下站立和强大。埃及的绘画似乎继承了这一传统原则。列宁格勒诸画家善用优雅的银灰色调，真正体现了当地的气候特征。像多雾这样的英国产生了像透纳这样的英国（Turner）风景画是一样的。苏联的亚美尼亚阳光明媚。萨里扬和扎尔达良画了他们的家乡风景画。色价很高，就像磁器碰到一样。凡高移居法国南部后，如火如茶的色彩线条明显加热。赛冈佛尼喜欢描述阿尔卑斯山的高原风景，因为高原上的空气清新，远近感在他的画面中微弱。抗日战争期间，吴作人去西北写生，色彩的趣味很快就变了。越南的绘画很有民族特色和地方情调。

　　(8)色彩的民族习惯

　　从形式上看，艺术史上的作品大致分为东西两个系统。以中国画为代表的东方绘画是一种装饰风格。中国画家表现形象和色彩，无论是重色还是水墨画，不仅从生活的真实性出发，而且往往使形式和色彩不符合生活的实际表面现象。其中，中国画家往往比西方画家多加入画家对形式法则美的看法，改变对象，使其符合作者的理想化。中国画家往往从光学的角度看待对象和表达对象。因此，不以可变光为重，而重不变形，不重颜色的光化作用而重本色。中国画家注重绘画意境的色彩表现，强调色彩的情感和心理作用。

　　所谓“红间黄，秋叶堕；红间绿，花簇簇，青间紫，不如死，粉笼黄，胜增光。“一方面，这种色彩观念是尊重生活现象的感觉，另一方面，它渗透了画家的情感主观主动性，成为现实与浪漫相结合的绘画语言。中国人对色素的审美习惯也很有特色，我觉得这不仅仅是工具材料的限制。例如，认为石青、石绿、朱砂、石黄、藤黄、蒲石、朱碟、花青等色素都是美丽的，历代使用，成为一种习惯。的确，这些美丽的色素本身并不是纯色种，因为它们的色素沉着，在色彩调合时很容易得到调和。这样，中国画家就喜欢用自己习惯的近似色素来改变自然界中原有的颜色。(原载1962年(艺术杂志期)

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